4,4 sur l’échelle de valeur d’Allociné. Voici, Closer ou 20 Minutes, toutes ces revues spécialisées dans le cinéma l’affirment : Ad Astra est un chef d’œuvre.
ma vie, mes pieuvres
Auteur/autrice : Romain
Un film d'animina'd mlif nU
L’Île aux chiens
Je continue de faire les fonds de tiroir de mon back office. Ce qui veut permet d’exhumer des trucs méga vieux dont je me souviens à peine comme cette critique de LÎle aux chiens de Wes Anderson, œuvre sortie il y a presque pile un an.
À Megasaki, une ville du Japon, les chiens sont atteints d’une grippe virulente. Le maire, très méchant, craignant une pandémie générale, décide d’envoyer tous les chiens de la région sur une île dépotoir qui sert de décharge à ciel ouvert. Ça ne plaît pas du tout à Atari, le fils adoptif du maire, qui part y chercher son chien.
Wes Anderson, c’est un peu les œufs à la neige du cinéma : au départ, c’était un genre de blob visqueux qui n’intéressait personne, mais tellement fouetté par la hype parisienne qu’il a gonflé jusqu’à déborder du bol. Si l’histoire est plutôt intéressante, la mise en scène est étouffante. Pourquoi faut-il que tous les plans soient symétriques ? C’est quoi ces zooms en avant qui nous font passer d’un premier plan à un second pour revenir ensuite au premier plan ? Pourquoi tous les personnages sont-ils face à la caméra ? Chaque image du film crie à la figure du spectateur « T’as vu ? C’est classe, hein ? On a pris un double décimètre pour être sûr qu’il y a exactement des deux côtés la même distance entre le bord de l’écran et chacune de mes oreilles. » C’est la même chose sur l’affiche.
Mais si le film ne m’a pas déplu (en dehors de cette atroce symétrie visuelle permanente), j’ai, comme souvent, été très agacé de lire à peu près partout que c’était un grand film social sur les conditions de vie des migrants. Wes Anderson avait pondu le pensum que l’on attendait pas et l’analogie était d’une grande subtilité : Les chiens sont les migrants. Les autorités (le maire de Megasaki) les parquent dans des lieux insalubres où ils vivent dans les ordures, comme ce que font Merkel, Macron, Trump… Sauf que l’analogie s’arrête là.
Aucun autre élément du film ne vient corroborer cette thèse digne d’un apéro aux Buttes-Chaumont, entre un vin rosé bio naturel au goût de jus de raisin avarié et une salade au boulghour mangue ananas avocat arrosée de jus de citron de Sicile, un dimanche après-midi. Qui serait le jeune Atari ? Une ONG de sauvetage ? Qu’est-ce que représenterait la grippe virulente qui frappe les chiens et qui pousse le maire à les écarter de la ville ? Notre propre racisme ? Qui seraient les médecins qui cherchent un antidote ? Laurent Joffrin ? Et surtout (spoiler)
Spoiler
qui se cache derrière les chats qui contrôlent le maire et qui le poussent à agir ainsi ?
(Avec quatre ans de retard)
Cap quarante
À trente-neuf ans, j’ai décidé de prendre les choses en main. Objectif : écrire régulièrement sur mon blorgue avec la ferme intention de développer mon style précis et structuré qui a fait de moi la coqueluche du tout Saint-Germai-des-Prés lors de mon arrivée rastignacnesque à Paris (Panam, comme nous disions à l’époque sur les barricades de la rue Soufflot). J’allais appliquer le conseil dicté par tous les auteurs américains : « Si vous attendez les conditions idéales pour écrire, vous mourrez avant d’avoir débouché votre stylo » (la citation n’est pas exacte, mais ils ont tous dit un truc du genre). Comme j’ai passé ces dernières années à choisir la parfaite police de caractères pour justifier l’absence d’article sur mon blorgue, ça m’a tout de suite parlé.
À l’époque (et encore aujourd’hui), parmi le million de brouillons du backoffice de mon WordPress, il y avait d’interminables messages de haine envers des services administratifs, des textes littéraires sur de profondes déceptions amicales, des messages sybillins d’amour, des anecdotes croustillantes autour de ma vie – palplitante à bien des égards –, des chroniques de films, de théâtre, des charges virulentes contre mes collègues de bureau, contre mes chefs passés, contre mes chefs présents, contre mes chefs futurs et bien sûr la fin de mon explication de texte de L’Anneau du Nibelung de Wagner (probablement la série de billets qui me donnera accès à la postérité dans le Valhalla des blogueurs-influenceurs-loiclemeur).
En haut de la pile de mes textes au stade d’ébauche trônait une longue plainte déchirante sur le drame que représentait, à mes yeux, la bascule entre la vie du trentenaire et celle du quarantenaire qui s’approchait alors à vive allure. Moi qui avais beaucoup apprécié la décennie me conduisant de 30 à 40, qu’est-ce qui allait changer de l’autre côté du miroir ? « Je compte documenter toute l’évolution », écrivais-je, « avec la précision d’un biologiste surveillant une bactérie sous un microscope ».
Je n’ai rien fait de tout ça. Emporté par le tourbillon de la vie, j’ai eu quarante ans. Mais on allait voir ce qu’on allait voir, et à quarante-et-un, chaque matin, j’allais poser mon cul sur la chaise et m’astreindre à deux heures de rédaction par jour au moins. Il fallait absolument raconter ce qu’il se passait. La déprime extrêment forte qui s’emparait de moi et cet étrange sentiment à chaque fois que j’entendais dire, lorsque j’annonçais mon âge : « Non, mais t’as pas quarante ans, toi ? Tu les fais pas du tout ! ».
Ce « Tu les fais pas » était, au départ, extrêmement agréable et rassurant. Et puis, à force de l’entendre, il devint une source d’angoisse. Comme si, un jour, j’allais me réveiller et j’allais « les faire », ces quarante ans. Je n’osais plus me regarder dans la glace, craignant chaque matin, de découvrir que, ça y est : je « les faisais ». « Il y aura forcément un moment où je basculerai », me disais-je, « comment le saurai-je ? Et vais-je y survivre ? ». Ça m’a plongé plus d’une fois dans une neurasthénie dont je peine parfois encore à me relever.
Alors que mon anniversaire approchait chaque année à pas de loups, je constatais un peu gêné que je ne confessais rien de mes cheveux qui blanchissaient et de ceux, de plus en plus nombreux, qui mouraient au front ; de mon ventre qui s’arrondissaient par-dessus ma ceinture ; de mes poils qui subitement décidaient de pousser à peu près n’importe où sur mon corps ; de la déception de constater régulièrement qu’aucun de mes objectifs fixés à trente ans et à atteindre avant mes quarante n’avaient été validés ; et de l’accélération considérable de la durée de la seconde qui doit pourtant être fixe, ce me semble.
À l’aube de mes quarante-quatre ans, il n’est plus temps de reculer l’échéance. Demain, je fêterai mes cinquante, dans une semaine, quatre-vingt, et dans huit jours, je serai mort.
Je n’aurai toujours pas appris le japonais, ni grimpé l’Everest, ni fini un seul Dark Souls.
Mais au moins, le 19 mars 2019, j’aurai publié un article ici. Achievement unlocked.
Aussitôt vu, aussitôt oublié
La Finale
Sortie le jour de mon anniversaire, le 21 mars, premier jour du printemps (toute personne qui prétend le contraire est soit un de mes collègues soit une ordure, les deux se confondent facilement), La Finale est un film familiale qui nous narre les aventures de JB, un ado (joué par Rayane Bensetti) qui doit s’occuper de son grand-père, Roland, interprété par Thierry Lhermitte pendant le week-end tout ça parce que son père (à JB) s’est fait contrôlé en état d’ivresse par la police. J’aimerais vous en dire plus, mais j’avoue que j’ai vu le film il y a un long moment et j’ai totalement oublié cette partie.
Ce dont je me rappelle, en revanche, c’est que JB a, ce week-end là, une compétition de basket-ball qui peut le mener à une sélection nationale. Ça ressemble beaucoup a une pub de ma jeunesse où un ado devait participer à une compétition ultra-importante de karaté, mais son kimono était sale. Les Nuls avaient d’ailleurs réalisé la parfaite parodie de cette réclame :
Bref. Le truc un peu chiant de l’histoire, pour JB, c’est que son grand-père souffre de la maladie d’Alzeihmer. Il oublie donc tout, tout le temps. Tant que ça se passe dans la maison, les choses s’arrangent à peu près, mais JB, lui, ne compte pas rater son match. Et il a la solution parfaite : emmener son grand-père à Paris afin de ne pas se faire engueuler par ses parents pour l’avoir abandonner.
Sauf qu’en réalité, pendant tout le film, le spectateur n’a qu’une question en tête : lesquel de JB ou de Roland souffre réellement d’Alzheimer ? Je m’explique. Au cours du périple (qui passe par le train, le bus et la voiture), JB ne va cesser d’oublier que son grand-père est là. Dans le train, il le laisse tout seul avant de s’étonner qu’il n’est plus là. Il le récupère sur le quai, mais le train part. Tant pis, prenons un bus. Sauf qu’au premier arrêt sur l’aire d’autoroute, JB le laisse à nouveau tout seul. ET BOUM, Roland disparaît. Il le retrouve, ils prennent une voiture, mais voilà qu’à Paris, il laisse encore son grand-père tout seul. Et – truc de dingue auquel aucun spectateur ne pouvait s’attendre après une heure et demi à voir JB laisser son grand-père tout seul et remarquer dix minutes après qu’il a disparu – Roland se carapate. Mon verdict est sans appel, c’est le jeune qui est malade.
Soyons francs, en soi, La Finale n’a rien de catastrophique (dans quelques jours, je vais vous causer de L’École est finie et je ne serai pas aussi indulgent), mais cette répétition interminable de la même séquence focntionnerait mieux si tout le public lui-même souffrait d’Alzheimer. Personnellement, je ne crois pas être atteint encore par cette maladie, mais je reconnais que quelques jours après, j’avais déjà oublié les trois quarts du film.
J’ai quand même – par précaution – préféré consulter. A priori, ce n’est pas mon cerveau qui est atteint, mais plutôt le scénario. Ouf !
Un film qui retourne le couteau
Jusqu’à la garde
J’ai vu un paquet de films depuis Pentagon Papers. Mais je n’ai pas trouvé le temps (en raison de ma crasse fainéantise) d’en parler ici. Et puis, ça vous laisse le temps d’en voir. Ainsi j’évite de vous spoiler la moindre surprise. Mais Cannes m’a donné envie un peu de revenir sur le sujet. Parce que quand je lis ce que je lis, je me dis que je peux faire mille fois mieux sans même me forcer.
Commençons donc par un film particulièrement joyeux et guilleret qui est sorti le sept février dernier : Jusqu’à la garde.
Cette œuvre narre les facéties hilarantes d’un père de famille qui, après avoir perdu la garde de ses deux enfants à la suite d’un divorce difficile, décide d’opérer une reconversion professionnelle comme clown d’anniversaire. La première partie du film raconte sa formation, la seconde la mise en pratique de son nouveau talent. À la fin du film, les deux enfants sont dégoûtés, car le père est devenu une célébrité dans le quartier grâce à ses animaux en ballons. Ça se termine avec le père déguisé en lapin de Pâques, ses enfants sur les genoux et tous rigolent de bon cœur tandis que la maman, finalement réconcilée avec le papa prépare un… gâteau d’anniversaire pour les dix ans du petit !
TUIIIIIIIIIIIIINNNNNNTTTTT
Vous y avez cru ? Ahahahaha ! Je me suis joué de vous comme un ventriloque de sa marionnette.
La seule chose vraie, c’est que le film débute par un homme et une femme, Antoine (Denis Ménochet) et Miriam (Léa Drucker) chez un juge en train de plaider chacun pour obtenir la garde des enfants (Julien et Joséphine) après leur divorce. Miriam accuse son ex-mari d’être violent (et reconnaissons que l’acteur a le physique de l’emploi). Hélas, la justice est aveugle (dans tous les sens du terme) et accepte la garde partagée : un week-end sur deux chez le père et la moitié des vacances scolaires. Seul Julien est concerné puisque sa sœur est majeure. Miriam, qui avait mis une certaine distance entre son ex-époux et elle, est totalement dévastée et nous avec.
Car la suite de l’histoire ne va pas aller en s’améliorant.
Notamment parce que Julien, dont on n’arrive pas vraiment à comprendre s’il veut bien faire ou s’il se rend compte qu’il fout le bordel sciemment, va envenimer une situation déjà pourrie jusqu’à la moelle. Il veut aller à l’anniversaire de sa sœur un week-end où il est censé être chez son père. Le père accepte, mais il veut que son ex-femme le lui demande. Comme Miriam est effrayée par cet ogre, Julien n’ose pas le lui demander et raconte finalement à sa mère que son père refuse de lui concéder ce week-end.
Et alors que tout se passait merveilleusement bien, tout va empirer : Antoine va dévoiler sa vraie nature (que son physique ne cachait pas vraiment) et tout ça va se terminer par un final qui n’est pas sans rappeler Shining de Stanley Kubrick (sauf qu’il déboule chez son ex-femme avec un fusil plutôt qu’une hache, mais ça ne change pas grand-chose dans le fond) (fun fact : vous saviez qu’on dit [fuzile] ? J’ai toujours dit [fuziye] ? Eh bien j’avais tort ! Je trouve ça totalement incroyable d’apprendre encore des choses à mon âge, et encore plus de m’en souvenir, mais je digresse).
Grâce à une vieille dame acariâtre qui réside en face de chez Miriam, la police interviendra quelques secondes avant que le sombre fait divers promis n’arrive et que l’histoire ne devienne une reconstitution d’un Faites entrer l’accusé. Fin avec un générique sans musique. Et si cette absence de musique surprend, on s’aperçoit alors qu’on n’en a entendu pratiquement aucune pendant tout le film.
Une aridité générale et oppressante appuyée par une mise en scène au départ sèche (qui laisse planer toutefois une angoisse sur une possible réalisation façon documentaire de seconde partie de soirée sur France 3). Tout suinte le malaise ici.
J’ai été mal pendant une heure trente à me demander pourquoi j’étais venu et à regarder les amis qui m’accompagnaient et qui n’avaient pas l’air bien plus joyeux que moi. En sortant, je n’osais pas affronter leurs regards, craignant qu’un psychopathe taré se cache dans le groupe (et, statistiquement, c’était forcément le cas).
Et puis, là, UNE CONSOLATION. Une seule qui est arrivée comme un cadeau du ciel, comme pour dire : « Vous en avez chiés pendant tout ce film, voici un présent qui va vous consoler ». Louis Garrel a débarqué dans le même cinéma dont nous sortions (je vous raconte ça alors que je n’ai jamais été fan de Louis Garrel, je trouve qu’il ressemble à une grosse otarie affublée d’un pantalon en velours). Ça ne nous a pas enlevé le mauvais goût dans la bouche, mais on a pu éviter de parler du film qu’on venait de voir.
Louis Garrel est entré dans une salle. Il n’allait pas voir Jusqu’à la garde, mais Phantom Thread. La petite nature !
Journaliste est-il un métier ?
Pentagon Papers
Avec Les Hommes du Président,Alan J. Pakula a plus ou moins défini les codes d’un film sur le journalisme (ou journalimse, j’ai un doute) : des grands open spaces, des gens au téléphone, des discussions interminables dans le bureau d’un rédacteur en chef acariâtre, des grosses machines qui impriment des journaux et un directeur qui s’écrie à un moment donné : « Lancez les rotatives » (je vous encourage à voir sur ce sujet le très bon sketch de Seth Meyers sur le sujet).
Sans surprise, Spielberg reprend exactement la même sauce dans Pentagon Papers (je me permets un aparté : le titre original du film est The Post et fait référence au journal qui a publié ces articles, le Washington Post. Alors, quitte à changer le titre pour le public francophone, on peut se demander avec une certaine légitimité pourquoi en faire une alternative en anglais. Est-ce que « Les dossiers du Pentagone » n’aurait pas convaincu le public ? Je vous laisse seuls juges).
Mais il ajoute à cela une passion incompréhensible pour l’entrejambe de Tom Hanks qu’on voit plus que de raison. Dès que Tom doit montrer qu’il est en colère ou qu’il a une décision importante à prendre, il pose sa jambe droite sur une table devant lui et Spielberg le filme en contre-plongée pour qu’on admire au premier plan, le pli de son pantalon au niveau de son scrotum.
Hanks joue de toute façon comme une savate, mimant l’idée qu’il se fait d’un patron de presse dans les années 60 : il fume des cigarettes, parle avec une grosse voix, gueule sur la première personne qui passe devant ses yeux et surtout, dès qu’il est debout, conserve ses mains dans les poches arrière de son pantalon pour bomber le torse et affirmer silencieusement qu’on ne la lui fait pas.
On peut tout de même sauver la performance de Meryl Streep, une bonne chose puisqu’elle est finalement la figure centrale du film. En effet, tout le film consiste à savoir si elle acceptera de publier les Pintaguaune Payepeursse dans son journal, le Washington Post, journal qu’elle a hérité de son père et que son époux (de Meryl Streep) dirigeait jusqu’à sa mort (de son époux, pas de Meryl Streep) et dont elle a hérité (du journal) (de son époux) (mais du père) (au départ). Suivez, merde !
C’est donc le chemin initiatique d’un personnage face à une décision impossible, et qui, en la prenant (la décision), passera de femme au foyer à femme de pouvoir dans un monde férocement patriarcal (cette phrase est inutilement compliquée grammaticalement). Mais Spielberg devait tellement craindre qu’on ne comprenne pas son propos, malgré la performance de Streep, qu’il a ajouté des poncifs d’une lourdeur à faire passer un kouglof pour une mousse légère à la framboise. Ainsi, on retiendra ce plan ridicule après le procès, où Meryl Streep descend les marches du palais de justice entourée uniquement de femmes la regardant comme si elle était le Messie ou la vierge Marie. Mais c’est un peu pareil.
Bref, comme je m’ennuyais à cent sous de l’heure pendant le film, j’en ai profité pour affiner une théorie remarquable qu’on enseignera bientôt dans les grandes écoles de journalisme (hélas, je n’ai pas le temps d’en écrire la synthèse : avec mon divorce, les enfants et le petit dernier qui fait ses dents, j’ai des nuits épuisantes) : ce qu’on retient des films sur le journalisme, c’est que ce métier consiste principalement à attendre qu’une personne légèrement inconsciente décide de prendre tous les risques pour vous fournir des dossiers ultras confidentiels. Et que le niveau d’effort à fournir pour un journaliste afin d’obtenir un scoop est nul.
Regardez Les Hommes du président : Dustin Hoffman et Robert Redford brassent du vent pendant une heure (ils courent dans la rédaction, mangent des ouiches lorraines et discutent de se taper des gonzesses (je confonds peut-être avec Le Grand détournement)) jusqu’à ce qu’un indic, « Gorge profonde », les contacte et leur livre, clé en main, les documents impliquant Nixon. Sans cet indic, ils n’ont aucune preuve. Une fois les dossiers obtenus, les deux larrons en écrivent un digest et gagnent un prix Pulitzer. Un Pulitzer pour quoi ? Pour avoir bu des cafés et répondu au téléphone…
C’est à peu près pareil dans Pentagon Papers, où un antimilitariste convaincu décide de photocopier des dossiers ultra-confidentiels avant de les filer au New York Times, d’abord, puis au Washington Post, ensuite.
Et l’autre jour, je regardais la saison 5 de Homeland et c’était exactement pareil : la journaliste y révèle des dossiers de la CIA hackés par un informaticien de génie. Et qu’a-t-elle fait pour les avoir ? Absolument rien. Le mec les lui a filés « parce que j’aime bien votre travail ». N’importe quoi.
Cette thèse s’étend d’ailleurs semble-t-il dans la réalité. Par exemple avec les journalistes d’investigation de Médiapart qui ont sorti l’affaire Bettencourt. Si on analyse objectivement leur travail, ils n’ont fait que sélectionner des morceaux choisis d’enregistrements illégaux réalisés par le majordome de Liliane. Le scoop leur est arrivé tout cuit dans le bec. Même si j’imagine bien que Plenel leur met une pression de dingue et que ça les oblige à se créer un réseau d’informateurs pour espérer de temps à autre obtenir un truc juteux qui calmera la bête à moustache.
Finalement, la seule question de ces journalistes, c’est un choix éthique : doivent-ils publier des documents obtenus sans bouger le petit doigt ? Je ne dis pas que ce n’est pas passionnant comme interrogation, mais franchement : être célébré pour avoir patienté des heures devant son téléphone, n’est-ce pas récompenser la fainéantise ?
Il est temps que l'Empire gagne
Star Wars : Les Derniers Jedi
Comme Renault a appris que j’ai obtenu le prix Roberval en novembre dernier, prix qui récompense les meilleurs auteurs français au monde (donc moi), la firme au losange n’a pas résisté à l’envie de m’inviter à la projection du dernier Star Wars avec toute une ribambelle d’autres célébrités et saltimbanques dont Roland Domenech, Eddy Seimoun, Martin Boujenah, Jean-Paul Denisot et le chanteur d’Indochine (qui doit avoir un nom, mais je l’ai oublié). Et ça tombe bien, car je n’y serais jamais allé sans la promesse de petits fours et de champagnes après.
J’avais, bien sûr, tout oublié de l’épisode 7, donc je n’ai pas bien suivi le début de l’épisode 8, mais très vite, on comprend que l’affaire ne tient qu’à une seule question : « Est-ce la fin de la Rébellion ? » (en toute franchise, il y a également une histoire entre Rey, Luke Skywalker et Kylo Ren, mais toute cette partie est plutôt bien, et comme mon article est fondé sur de la mauvaise foi, je vais les passer sous silence.)
Voici en substance ce que raconte j’ai compris de l’épisode 8, « Les derniers Jedi ». Si vous voulez vous évitez de trop vous faire spoiler le film, cliquez ici.
La Rébellion, dont l’ensemble de la population ne dépasse pas le nombre de participants à un congrès du PC avec Robert Hue en 2007, est prise en chasse par le vaisseau amiral du Premier Ordre (le nouveau nom de l’Empire). La flotte est décimée par ce destroyer du mal, mais grâce à une forte tête, Poe Dameron, une ouverture permet à un bombardier de la Rébellion de détruire in extremis le vaisseau ennemi.
Hélas, mis à part nous occuper vingt minutes, cet exploit n’aura servi à rien : si la flotte rebelle arrive à s’enfuir en sautant dans l’hyperespace, un nouveau dispositif ultramoderne de l’Empire permet de la suivre à la trace. À peine sort-elle de l’hyperespace qu’un nouveau vaisseau amiral surgit (avec trois autres) autour d’elle.
Leia est vénère : les rebelles ont à peine assez d’essence pour refaire un saut dans l’hyperespace et la prochaine station-service est à 4 parsecs de là. Pis, de toute façon, ça ne servira à rien puisque le Premier Ordre est capable de les pister avec la précision d’une puce GPS dans un iPhone qui aurait encore de la batterie.
Une décision est prise : la flotte rebelle va continuer d’avancer en restant hors de portée des canons du vaisseau amiral ennemi. Au moins tant qu’elle aura de l’essence, soit dix-huit heure. Est-ce la fin de la Rébellion ?
Persuadé qu’il n’y a plus d’espoir, Finn, l’ex-Stormtrooper de l’épisode 7 (qui, pour une raison que j’ai oubliée, se réveille dans une chambre médicalisée), décide de fausser compagnie à la Rébellion. Mais il se fait choper par une jeune garde, Rose. Je vous abrège : Rose et Finn décident de désactiver le traqueur du Premier Ordre qui se trouve dans le destroyer. Leur chance, c’est que l’Empire ne possède qu’un traqueur, car si j’ai bien compris, il a été conçu par Apple : « C’est une technologie toute récente et extrêmement coûteuse », explique Rose.
Sauf que… On n’entre pas dans le navire amiral comme dans un moulin ! Rose et Finn se font rancarder : il n’existe dans l’univers qu’UN seul spécialiste capable de pirater la porte ouvrant vers le SAS où a été rangé le traqueur. Ce spécialiste réside à Canto Bight, une ville casino sur une planète à quelques heures de là où se trouve la flotte rebelle. Ils prennent un vaisseau en loucedé et s’envolent vers Canto Bight. Est-ce la fin de la Rébellion ?
À croire que chaque Star Wars se doit d’avoir sa scène musicale, on a ici une énième autoparodie du Cantina Band de La Guerre des étoiles. Le premier travelling qui nous fait « découvrir » le casino est un prétexte pour montrer chaque table de jeu et son « extra-terrestre rigolo ». Les péripéties s’enchaînent et les lieux communs aussi : on apprend ainsi que « les gens s’enrichissent grâce aux guerres », que « c’est mal de torturer des animaux », qu’il y a « du gentil et du méchant chez tout le monde, ça dépend de son point de vue » ou que « les enfants ne doivent pas être traités comme des esclaves ». C’est de loin la pire séquence du film.
Rose et Finn finissent par débusquer la perle rare qui leur ouvrira la porte vers le traqueur. Mais tout ceci a pris énormément de temps, et alors qu’ils s’approchent du vaisseau de l’Empire, il ne reste déjà plus que deux heures de carburant. Or, pendant ce temps, la grande majorité de la flotte rebelle s’est fait exploser par l’Empire. Réduit à une portion congrue, le groupe de rebelles est en mauvaise posture. La vice-amirale Holdo décide alors d’évacuer la navette principale avec les derniers survivants. Est-ce la fin de la Rébellion ?
À nouveau, c’est un échec. L’Empire percute très vite qu’on les berne et envoie des croiseurs contre les capsules de survie. C’est un massacre. Est-ce la fin de la Rébellion ?
Une infime partie du groupe de départ réussit à atterrir sur une planète proche (quelle chance !) sur laquelle se trouve une ancienne base minière et rebelle (quelle double chance !) où l’on trouve des armes (quelle méga chance !) et des speeders (non ? C’te CHANCE ! Et tout ça, juste à côté ! Ç’aurait pas pu mieux tomber).
Les vaisseaux du Premier Ordre débarquent, avec à l’intérieur Kylo Ren (le méchant). Et décision est prise d’exterminer les derniers rebelles retranchés derrière le mur d’acier fermant l’accès à la mine. C’est une occasion en or, car figurez-vous qu’il n’y a aucune issue de secours. Les rebelles se sont enfermés eux-mêmes dans leur tombeau (rire sardonique). À votre avis, est-ce la fin de la Rébellion ?
Le carnage de rebelles continue (comme chez le boucher : « Je vous en ai mis pour 130 kilos de rebelles, je vous laisse le rab ? »). Sauf que… On ne s’en doutait pas, mais à l’intérieur de la mine, il y a des animaux rigolos : des chiens de glace (il y en a beaucoup, car le numérique permet d’en aligner des milliers pour pas cher) qui trouvent une sortie. Vous n’en croyez pas vos yeux ? Bah je vous le conseille.
Sauf que… Un gros éboulis obstrue la sortie. Les chiens parviennent à se faufiler, mais les gros rebelles, eux, ne peuvent rien faire. Est-ce la fin de la Rébellion (qui ne doit plus compter qu’une trentaine de partisans dorénavant) ?
Eh non ! Car Rey arrive en pilotant le Faucon Millenium, descend fissa, soulève les pierres grâce à la Force et sauve la Rébellion qui ne connaîtra donc pas encore sa fin aujourd’hui.
De son côté, Kylo Ren est particulièrement contrarié. Les rebelles s’enfuient, le Faucon Millenium passe en vitesse lumière (le traqueur a été détruit lors d’un sacrifice humain). FIN (plus ou moins).
C’est là où je me suis rendu compte que Star Wars me lasse. Je suis sorti de l’épisode 8 en ayant rejoint le côté obscur de la Force. Dorénavant, je rêve que l’Empire gagne. Leia et les autres ont eu des tas de chances de prendre le contrôle, ils les ont laissées filer à chaque fois, mais on ne peut pas continuer de vivre dans le chaos le plus total à cause d’une bande de soixante-huitards qui prennent des substances hallucinogènes.
Je ne sais pas si on nous donne des indications temporelles (j’oublie aussi vite les Star Wars que je les vois), mais vu le coup de vieux de la princesse Leia et de Luke Skywalker, on a un peu le sentiment que ça va faire 45 ans que l’Empire tente d’écraser la rébellion. Et jusqu’ici sans le moindre succès. Alors qu’en même temps, la Rébellion s’affaiblit d’épisode en épisode.
Mais comment voulez-vous qu’un gouvernement stable se constitue s’il est sans arrêt saboté par un groupe d’anarchistes en goguette, pas foutu de mener à bien le moindre putsch ?
Il faut que ça cesse. Tout comme Daesh se fait laminer au Moyen-Orient, la Rébellion doit disparaître. Car oui, j’ose ce parallèle audacieux : la Rébellion n’est ni plus ni moins qu’une organisation terroriste. Elle veut convertir la galaxie à sa cause, cause qui décemment ne passionne plus grand monde quand on voit la quantité d’hommes et de femmes qui sont sous la coupe du Premier Ordre. D’ailleurs, la scène où un vaisseau rebelle fonce sur un destroyer du Premier Ordre n’est pas sans rappeler la tragédie de septembre 2001.
Pire encore : avec le peu de moyens à sa disposition, la Rébellion tente de recruter les esprits les plus faibles, les enfants, en leur promettant une vie meilleure. Sérieusement, j’aurais entendu « Allahu akbar » à la fin du film à la place de la musique de John Williams que ça ne m’aurait pas vraiment surpris.
Quoi ? J’exagère ? Je débloque ? Oh, mais taisez-vous. J’écrirais la même chose dans les Inrocks, vous en tomberiez de votre chaise.
Bref, s’il te plaît Kylo Ren, dans le prochain épisode, anéantit la Rébellion. Bien sûr, tu n’arriveras pas à contenter toute la galaxie avec ton gouvernement, mais honnêtement, est-ce que Macron satisfait 70 millions de Français ? Est-ce que Trump convient aux 300 millions d’Américains ? Theresa May est-elle plébiscitée par 60 millions de Britanniques ? Non. La politique, c’est 10% d’imbéciles heureux et 90% de mécontents permanents. C’est comme ça, et ce n’est pas pour autant qu’on monte tous dans des navettes spatiales pour tirer sur le Bundestag ou la Maison-Blanche.
Il n’y a pas longtemps, j’ai lu survolé un article intitulé « One person’s history of Twitter, from beginning to end ». L’auteur y raconte son expérience avec le réseau social : depuis son inscription en 2006 jusqu’à aujourd’hui en notant que le contenu écrit par les utilisateurs de Twitter avait évolué d’un réservoir de blagues plus ou moins malignes, réussies ou inspirées à un déversoir de haine.
« Le but des créateurs de Twitter était de donner à tout le monde un moyen d’expression, une voix. Mais ils ne se sont jamais demandé ce qui se passerait si tout le monde avait une voix. Ce que cela signifiait vraiment. Ça a été le pêché originel des fondateurs du réseau, une bande de garçons blancs privilégiés qui n’ont pas pris conscience d’avoir conçu une bombe ».
Pour l’auteur, l’arrivée de Donald Trump en 2009 a allumé la mèche. D’un coup, Twitter n’appartenait plus à une frange d’happy few, mais à tout le monde. Et Trump, dont l’ancienne génération de Twitter se moquait ouvertement, se fabriquait une audience dévolue à ses idées.
Je raconte ça, car je partage l’avis de l’auteur. Quand je me suis inscrit sur Twitter (5 mars 2007, mon Dieu !), on devait être une centaine et nous faisions des blagues plus ou moins rigolotes. Aujourd’hui, on a basculé dans le monde des Fanzouzes qui insultent ceux qui ne sont pas Hanouniste (la religion des adeptes d’Hanouna), des ados du forum 18-25 qui harcèlent toute personne qui leur déplaît et des polémiques-minute (il y en a tellement que je n’arrive plus à les suivre et comme elles sont oubliées aussi vite qu’elles apparaissent, ça n’a pas beaucoup d’importance).
Sur Twitter, le petit oiseau est devenu un horrible corbeau. Il n’y a plus que des gens qui gueulent, qui crient, qui s’invectivent, qui se donnent des leçons (beaucoup, beaucoup de leçons). Le public critique à tout va, moquant la moindre initiative, misant sans arrêt sur le cynisme, l’ironie et le second degré. Heureusement, ma haine du RER B me permet encore de survivre dans cette nouvelle évolution du réseau social. C’est simple : on se croirait devant un embouteillage de voitures aux alentours de la gare du Nord.
Mais, changeons la donne.
Oui, changeons la donne ! Créons Tweetounours, le réseau social de la bienveillance et du premier degré !
Sur Tweetounours, on défendra la RATP, les journalistes et les entraîneurs de foot. On ne s’enverra pas des « tweets », mais des « grongrons ».
On dira « Trop bien, ces deux minutes de pub sur YouTube, j’ai appris des choses que je ne savais pas, j’aurais eu bien tort de cliquer sur Skip Ad » et non pas « 30 secondes de pub pour une vidéo de 4 secondes, seriously ? ».
Ou bien encore « Super, ce Windows Phone ! Microsoft a fait un joli boulot » et pas « Franchement, Microsoft, arrête de perdre du temps sur un téléphone, ça marchera jamais, et va donc corriger Windows ».
Cent soixante caractères de perpétuel premier degré.
Car Tweetounours sera surveillé par une intelligence artificielle capable de déceler la moindre trace d’ironie ou de second degré. Les corbeaux n’auront pas leur place, ici. Les polémiques et les donneurs de leçons non plus. Il n’y aura aucune sélection à l’entrée, mais si un tweetounos publie une remarque déplacée, l’IA le chopera direct et il ira sur le banc de pénalité, comme au hockey sur glace. Il y resteraaussi longtemps que l’IA l’aura décidé selon la gravité de l’ironie. Si vous faites du quatrième ou cinquième degré, vous ne pourrez pas souvent publier sur Tweetounours…
Et alors, enfin, nous respirerons librement, loin de l’air vicié du cloaque qu’est devenu Twitter dont le sol est jonché des guanos des corbeaux et où le reste de la population n’est plus qu’une horde de scatophages du fumier.
Je lance ce jour un kickstarter. Alors, qui est partant ?
Je remercie Simon à qui j’ai ouvertement piqué l’idée de la création de Tweetounours.
Histoires arythmiques
120 battements par minute
Écrire sur 120 Battements par minute est un exercice un peu casse-gueule. Alors avant de commencer, précisons tout de suite : ce film est salutaire, devait être fait et mérite d’être vu (bien au-delà des homos ou de ceux qui s’intéressent à l’histoire de la lutte contre le VIH). J’ajoute que j’ai beaucoup aimé et que je n’ai pas vu les deux heures vingt (ce que je craignais beaucoup).
Accessoirement, il va me permettre de tester ma toute nouvelle balise « Spoiler » pour mon blorg, et ça, ça n’a pas de prix.
Spoiler
C’est pas génial, sérieusement ?
(Il faut cliquer pour voir ce que j’ai écris juste avant.)
Mais pourquoi est-ce casse-gueule d’écrire dessus ? Parce que le film oscille en permanence entre le documentaire et la fiction. Et on ne sait jamais sur quel pied danser.
Si l’on s’en tient à l’aspect documentaire des réunions, les « anciens » d’Act-Up confirment que le film touche juste. Rien de surprenant : le réalisateur Robin Campillo est un ancien membre de l’association lui-même. Mais si l’on penche vers la fiction, je dois avouer que je ne comprends pas bien le projet. Ça donne à mon sens un film plutôt bancal.
(Si vous n’avez pas vu le film, vous prenez le risque de connaître toute l’histoire en lisant la suite. Bon. En même temps, on ne va pas se mentir : un film sur des malades du SIDA au début des années 90 se finit rarement bien.)
Il y a donc deux façons de raconter le film.
1. Le documentaire. Inspiré par Act-Up New York, un groupe de tout horizon forme Act-Up Paris, association de lutte contre le VIH et reprend les mêmes méthodes musclées pour tenter de se faire entendre face à un gouvernement plus sourd que Beethoven.
2. L’histoire d’amour. Sean, séropositif, milite à Act-Up. Nathan, séronégatif, rejoint l’association. Nathan tombe amoureux de Sean.
Spoiler
Sean tombe de plus en plus malade. La fin n’est pas gai.
Le film passe une grande première partie sur les réunions d’Act-Up où se préparent les actions militantes du groupe. Leur objectif numéro 1 : mettre les mains sur les résultats d’une molécule (une antiprotéase) en cours de test par un grand laboratoire pharmaceutique. Mais le laboratoire refuse de les livrer et entend les publier uniquement d’ici un an, lors de la conférence mondiale contre le SIDA.
Sur cette partie, on retiendra que l’aspect documentaire est particulièrement bien restitué, tout en évitant l’ennui que pourraient susciter de longues discussions stériles, même ponctuées d’engueulades. Mais entre les très bons / bonnes acteurs / actrices et la mise en scène, le rythme ne se relâche pas. Il y a tout de même un petit « mais » : sur les sept ou huit réunions qu’on voit, une bonne moitié d’entre elles répètent systématiquement la même chose, comme si le texte de ces scènes se basait en grande partie sur un seul compte-rendu. Et je crois avoir rarement entendu dans un seul film aussi souvent « Les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison » dans la même phrase. Comme s’il ne fallait jamais en oublier un seul.
Exemple :
– Il faut faire une action militante !
– Oui, il faut la faire pour les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.
– Je suggère qu’on aille jeter du sang sur la tête du président des labos Machin-Chose.
– Bonne idée, on ira avec les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.
– Oui, car on n’entend pas dans ce pays la voix des gays, des toxicos, des étrangers, des prostitués, des hémophiles et des gens en prison.
– Ah ça ! Rien n’est fait pour les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.
J’exagère un peu (et je tiens à préciser que je parle du style, pas du fond : je sais bien qu’à l’époque, le gouvernement se fichait totalement de la santé des gays, des toxicos, des étrangers, des prostitués, des hémophiles et des gens en prison).
En dehors de ce petit bémol, franchement, c’est passionnant et c’est aussi glaçant de voir à quel point les pouvoirs publics se moquaient totalement du sort de toute une frange de la population et comment cette population a concentré une telle colère que la seule façon de l’exprimer était dans des actions coups de poings salutaires.
En revanche, l’histoire d’amour : bof. Limite, elle gâche le reste. Oh, ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit : oui, il est mignon ce petit couple Sean et Nathan qui se fait des bisous et qui couche ensemble. Mais alors quand SPOILER ALERT la maladie va commencer à emporter Sean, on passe de 120 battements par minute à 120 minutes par battement (cette blague pourrait vous être offerte par Le Masque et la plume). D’ailleurs, d’une façon générale, dès qu’on quitte les actions et les réunions, le réalisateur manque singulièrement d’originalité. Le ralenti quand un personnage tombe dans les pommes, je ne vais pas dire qu’on a vu ça mille fois, mais quand même : on a vu ça mille fois. D’ailleurs cette « idée » du ralenti est reprise trois fois dans le film…
Et, SPOILER ALERT TOUJOURS,
Spoiler
quand Sean meurt, on va passer près pratiquement toute la fin du film sur la veillée funèbre.
Que s’est-il passé avec le fameux laboratoire contre lequel Act-Up est entré en guerre ? Quand les résultats sur la molécule sont-ils sortis ? A-t-elle été efficace ? A-t-elle soigné des gens d’Actu-Up ? Silence total. Tout comme le générique sans musique (palme de l’inattendu).
Mais peut-être que ce qu’il me fallait, c’était justement ça : du documentaire. Alors, je vous recommande chaudement How To Survive A Plague. C’est sur l’histoire d’Act-Up aussi, mais Act-Up New York. Sa formation, son mode de fonctionnement, comment ses membres ont lutté pour obtenir des molécules pour les soigner, comment ils se sont engueulés entre eux parce que certains trouvaient que le groupe n’était pas assez radical. Je suis surpris de n’avoir lu ça nulle part, mais c’est la même histoire que le film de Robin Campillo : il y a des séquences dans une grande salle où tous les membres se réunissent, il y a des histoires d’amour, il y a des manifestations, des actions militantes, des personnages principaux qui meurent. Sauf qu’ici tout est composé de films d’archives de l’époque. Et surtout, on a une conclusion. On sait ce que la molécule qu’ils ont obtenue a apporté, et il y a même un petit exercice critique à la fin. Les militants de l’époque commentent leurs actions et en regrettent même certaines.
Si c'est beau, c'est bien ?
Dunkerque
De toutes les critiques élogieuses reçues par le film Dunkerque (ou Dunkirk, comme disent les Anglo-saxons), c’est Le Figaro qui résume le mieux ce que j’en pense (même si ça n’a pas été écrit dans le sens de mon interprétation) : « Le spectateur sort de la salle avec une question en tête : comment ont-ils pu tourner un tel film ? ».
Comment Christopher Nolan a-t-il pu tourner, et accessoirement écrire, un tel film ? Il n’y a honnêtement aucune réponse possible. En nous racontant l’évacuation des troupes anglaises en juin 1940, alors cernée par l’armée hitlérienne, Nolan a décidé de produire un magnifique livre d’images en reproduisant à la perfection (je n’ai absolument pas vérifié ce que je vais écrire, mais je suis certain d’avoir raison) le moindre bateau ou avion de l’époque. Tout est soigné méticuleusement. Rien n’est laissé au hasard. Comme un gamin sur sa balançoire qui réclame l’attention de sa mère, chaque plan du film hurle à la face du spectateur : « Regardez-moi, regardez-moi comme je suis bien filmé ! »
Notez que cet épisode de la Seconde Guerre mondiale va jusqu’à diviser le critique des Inrocks qui le qualifie d’abord « d’un épisode marquant » dans le chapeau de son article avant de se raviser trois lignes plus loin pour en dire qu’il s’agissait là d’un « épisode crucial, mais relativement méconnu ».
Le film débute sur l’image d’un soldat anglais (Tommy, l’un des rares personnages nommés dans le film), qui rêve de s’enfuir le plus vite possible de la plage de Dunkerque où lui et des dizaines de milliers de soldats attendent qu’on vienne les chercher. Bizarrement, ils sont tous en rang d’oignon, perpendiculaires à la mer, le premier de la ligne se baigne ainsi jusqu’à la taille dans de l’eau froide. Je ne perçois pas l’intérêt vu qu’aucun navire ne point à l’horizon.
Direction ensuite la Grande-Bretagne où un plaisancier britannique embarque avec deux jeunes garçons pour venir récupérer les « boys » de la Nation à la demande du gouvernement.
D’autres séquences se passent sur un ponton où Kenneth Branagh interprète le commandant Bolton scrutant la mer du Nord (il semble dormir carrément ici). Sur ce même ponton, des milliers de soldats attendent.
Enfin, on suit des batailles aériennes entre pilotes britanniques et allemands.
Voici tous les éléments du film qui s’entremêlent sans aucune raison : une séquence avec Tommy, une séquence sur le ponton, une séquence avec le plaisancier et des navires qui se font bombarder, une séquence dans les airs et ainsi de suite.
Il n’y a aucune histoire, on ne sait rien de personne, la plupart des protagonistes sont crédités au générique sous la forme de « Grenadier », « Soldat » ou « Officier ». Ils se ressemblent tous (et les acteurs jouent mal). On se moque comme de l’an 40 (façon de parler) de savoir s’ils vont s’en sortir ou pas, bien que le film s’évertue à créer le suspense le plus artificiel possible à coups de plans interminables sur des gens qui marchent le long du sable, de bateaux qui se font bombarder et qui coulent et des gens qui nagent pendant des heures vers un autre bateau qui va se faire irrémédiablement couler juste avant l’enchaînement des quatre séquences iconiques du film.
En somme, tout nous indiffère.
Et le pire (car il y a pire, oui !), c’est que ce suspense en bois est entretenu par l’atroce musique de Hans Zimmer. QU’ON LUI DÉBRANCHE SES CLAVIERS BONTEMPI, PUTAIN. Aucun thème, aucune mélodie (Zimmer n’a ni les capacités intellectuelles ni le talent pour composer autre chose que des accords plaqués sur un synthétiseur).
Comme le scénario, la musique n’est que du rien.
Alors, pour tenter pitoyablement de faire grimper le curseur de l’angoisse (« Mon Dieu ! Ce personnage dont je me fous va-t-il réussir à nager pendant quatre minutes vers ce navire en train de se faire bombarder ? »), il utilise deux méthodes éculées :
- La sonate sur une note en ré qui consiste à répéter inlassablement la même note plus ou moins rapidement :
(C’est moi qui vient de composer cette mélodie, filez-moi dix millions de dollars.)
- Les gammes de Shepard (que j’ai découvertes pour l’occasion) qui consistent à vous faire croire artificiellement qu’on monte une gamme sans jamais s’arrêter, comme si elle était de plus en plus aiguë (alors qu’en réalité on joue toujours les sept mêmes notes) :
Il y a aussi une troisième méthode qui est celle de nous faire écouter le tic-tac d’une montre, mais je ne pense même pas qu’on puisse définir ça comme de la musique.
Cette horreur musicale a tout de même eu les honneurs de la critique cinématographique, ainsi Le Monde la qualifie de « partition omniprésente et une fois de plus remarquable d’Hans Zimmer tendant vers la musique industrielle ».
Je suggère qu’on laisse la critique musicale à ceux dont c’est le métier et qu’on interdise dorénavant à Nolan et Zimmer : 1. de collaborer ensemble, 2. de collaborer tout seul.